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lunes, 24 de junio de 2013

CHILDREN OF BODOM - Discografia

Nombre: CHILDREN OF BODOM
Género: Melodic Death Metal
País de Origen: Finlandia

Originalmente llamada INEARTHED (con una serie de demos en su haber) se formó en 1993 en Finlandia, CHILDREN OF BODOM ha construido una reputación muy sólida como una de las mejores bandas de Metal en el mundo. El nombre del grupo se deriva de los infames asesinatos por parte de -Lake Bodom-, que tuvo lugar en Finlandia durante 1960. Y se puede decir francamente que es tan brutal como cualquier otra banda de Metal cuando la situación lo exija. Pero lo que coloca a esta banda en el pináculo de la manada es el camino que de repente puede repartir enormes extensiones de melodías y estribillos memorables al instante con un grado incomparable de la musicalidad que ha mostrado el vocalista/guitarrista Alexi "Wildchild" Laiho, con repetidas figuraciones en las portadas de revistas como uno de los grandes músicos de todo el mundo.
En el tiempo transcurrido desde su creación, CHILDREN OF BODOM ha grabado y lanzado numerosos álbumes de estudio de larga duración, algunos EPs, compilaciones y discos en vivo. Con cada álbum la banda ha afinado y perfeccionado su sonido único, y hoy se encuentran parados en lo alto del panteón del Metal. Su larga carrera es conocida por el empleo de un modus operandi bastante enérgico y dinámico musicalmente hablando, una ética de trabajo pesado y seriedad en la dedicación a su oficio, ademas CHILDREN OF BODOM se ha unido a las filas de los actos musicales pesados ​​más finos del mundo.
Laiho ha sido nombrado como el "Mejor Guitarrista de Metal" por los lectores de Guitar World, superando a jugadores tan reconocidos como el propio Kirk Hammett de METALLICA para así ganar el codiciado premio. No es de extrañar, CHILDREN OF BODOM ha sido llamado "técnicamente deslumbrante" por el New York Times y "Una de las bandas de Metal más talentosas de nuestro tiempo", en el conglomerado mediático contemporáneo VICE. Algunas de las canciones populares de CHILDREN OF BODOM como "Was It Worth It?", "Living Dead Beat", "Blooddrunk" y "If You Want Peace...Prepare for War" se ofrecen en la exitosa serie de videojuegos de música Guitar Hero: Warriors of Rock.

Something Wild, lanzado en 1997, es el primer álbum de larga duración. Con este debut lograron llamar la atención de una forma muy eficaz, todo parecía exitoso para ellos, aunque habría que ver el desarrollo posterior de su carrera para notar de primera mano la cantidad de cambios con respecto este álbum. La guitarra y la batería parecen mostrar no más que talentos innatos, con mucha velocidad y variedad con forme pasa el disco todos estos factores salen más y más a flote; ademas es importante mencionar el interés mostrado por la oscuridad, frente a esto hay riffs que por sí solos demarcan ciertas influencias de Black pero además los teclados ayudan mucho a esta tarea y a empoderar más la música de esos "colores" que tan evidentes se muestran, incluso ante lo anterior también colabora el bajo, aunque de forma tímida. La voz es un punto muy importante para resaltar en esa influencia del Black, ya que se muestra totalmente un gruñido-alto al estilo desgarrador.

Hatebreeder, lanzado en 1999, es el segundo álbum de larga duración. Se podría tomar a este trabajo como el debut ideológico de la banda, ya que es aquí donde estos chicos empiezan a mostrar su originalidad musical que en términos concretos es sencillamente espectacular; con mucha fuerza y creatividad fue creado, eso se ve sin ninguna dificultad o análisis, y si la banda mostró esta maestría musical tan rápido (más rápido aun que algunas de las más grandes bandas del mundo), entonces para aquella época no era muy complicado predecir una carrera exitosa y llena de reconocimientos, a no ser de que algo extraordinario sucediera. Es muy interesante escuchar esta música, ya que por mi parte la veo como algo bipolar, es decir, la banda mezcla de forma fabulosa la brutalidad con la melodía y la tecnicidad con la simplicidad; hay partes en las que la guitarra y batería se encargan de formar un "paquete" de variedad en las que pasan muchísimas cosas en una sola canción, así que no es nada aburrido, y aun más si se le suma el trabajo de teclado que también tiene protagonismo. La voz es buena pero suele ser criticada, eso se explica básicamente en que se sigue usando el tono de gruñido-alto influenciado por el Black Metal, y siendo francos a mi tampoco me llama demasiado la atención, por lo menos no tanto para llegar a admirarla de igual forma a la instrumentación, solo es tolerable.

Follow The Reaper, lanzado en 2000, es el tercer álbum de larga duración. Ahora un poco más "aterrizados" en su énfasis musical pareciera que organizaron algunas partes de la casa, principalmente en los ámbitos de la brutalidad característica del Death Metal y cómo agregarle la respectiva melodía neo-clásica  y sí arrojó sus buenos frutos porque el disco luce mucho más equilibrado, también mejoró el trabajo de producción, si bien nunca ha sido malo por lo menos se notan algunos progresos modestos. La fuerza de la guitarra y batería están muy bien repartidas, como lo vimos en su trabajo anterior, en donde la batería juega a ritmos muchas veces técnicos y la guitarra se encarga de repartirse roles entre lo duro y lo brillante de los solos; también ayudados de una más administrada participación de teclados. La voz merece un reconocimiento, porque está tratando de cambiar, no repentinamente sino sincronizada y evolutivamente y eso se valora muchísimo en una banda de alto perfil. En conclusión estos chicos para la época seguían mostrando talentos en bruto que estaban siendo explotados con altura y distinción.

Hate Crew Deathroll, lanzado en 2003, es el cuarto álbum de larga duración. Los cambios para esta época no se hicieron esperar, y no hay que alarmarse, así son las grandes bandas en los diferentes géneros, así que no debe ser tomada con una particularidad especifica. Pero lo realmente importante es que aunque existan cambios sustanciales la música aun es de primera categoría, y ademas con un cambio de énfasis incluso en la producción, que pareciera más robusta. La guitarra es más pesada y a medio tempo, es importante resaltar esos dos cambios, ya que le dan un giro muy notorio al estilo del álbum; pareciera que los riffs se están empezando a acercar hacia las partes más pesadas del Death Metal, y los solos ahora están más escasos pero igualmente de buenos que en el pasado. La batería por su lado no pareciera tan afectada por el nuevo énfasis de medio tempo, ésta más bien sigue con sus roles de ritmos cambiantes y técnicos, también con la gran colaboración de los teclados que aunque ahora aparezcan menos siguen pesando mucho en los momentos claves de las canciones. La volvió a dar un cambio, se ve que se quisieron acercar en todos los factores a una música más pesada, y eso no está mal, la voz responde al cambio de la música; el problema radica en que el tono vocal no pareciera el más propicio de la banda, incluso en algunas partes la voz se nota perdida o a destiempo.

Are You Dead Yet?, lanzado en 2005, es el quinto álbum de larga duración. Después de haber notado un cambio sustancial en la música del anterior trabajo, ahora nos enfrentamos a otro cambio más que notorio y brutal, brutal no en la mejor forma, pero tampoco es terrible como algunos lo plantean, simplemente el disco se equivocó en varias partes, es un riesgo que todas las bandas están expuestas a afrontar en pro de su carrera. Lo que se plantea en términos concretos es una especie de Groove-Thrash-Death, en algunas canciones se baja dramáticamente el tempo que sumado al tipo de producción lo hace ver casi como un híbrido extremo del Groove, en otras canciones la guitarra y la batería hacen las veces de un intento thrasher, que no suena del todo mal, pero en otras es garrafal el resultado. Los teclados se extrañaron mucho, ya no son un "instrumento" como lo plantearon en el pasado, con participación constante y con peso en la estructura, en cambio ahora pareciera solo una herramienta de atmósfera cayendo en el cliché de todas las otras bandas que los utilizan de esa forma. Y la voz también se vio inmersa en la polémica, debido al cambio drástico de tono, que suena más a un vocalista joven que intenta gritar de forma "pesadamente-moderna", sin exagerar esto parece un niño rebelde que intenta sonar . Pero hay algunas pocas canciones que valen la pena, de tal forma que algo se puede rescatar del asunto.

Blooddrunk, lanzado en 2008, es el sexto álbum de larga duración. Luego del hueco en el que cayeron con su anterior disco, que de todas formas no fue tan dramático pero siempre alcanza a notarse el decaimiento de la banda, acá tratan de enderezar el camino pero sin abandonar su nueva faceta de tinte Groove-Thrash, solo que en esta ocasión tienen más dominio del tema a la hora de fusionarlo con el Death Metal; sin embargo, la producción aun parece algo molesta. La guitarra y batería ahora con nuevos elementos de medio tempo y aceleraciones con riffs thrashers hacen una tarea de alternativismo, sin que los tambores pierdan su esencia de tecnicidad, aunque la guitarra si parece más "alocada" respecto a lo que conocemos de la banda en su pasado; y los teclados con un modesto crecimiento en su participación tratan en ocasiones de ponerle competencia a los riffs y solos respectivamente. Por ultimo la voz mejoró un poco, pero sigue sin ser la más propicia para la música.

Relentless Reckless Forever, lanzado en 2011, es el séptimo álbum de larga duración. Pareciera que han tratado de revertir los cambios que se adicionaron en los dos anteriores discos, sobre todo en el tema del Groove, porque las influencias Thrash aun se conservan aquí, además se trató de mejorar bastante la producción que realmente sonaba tan mal últimamente. No es para conformarse, pero por lo menos la guitarra y batería tienen una mejor mezcla en la que se exhiben mejor las habilidades de cada uno sin estorbar al otro en el sonido final, luego, es comprensible que traten de conservar algunas cosillas de su experimentación previa, y ya con un comportamiento mejor no solo en estos dos sectores sino también en los teclas y tempos vocales, que suenan más apropiados y ordenados como lo requiere una banda con tanto peso sobre sus hombros como ésta.

Halo Of Blood, lanzado en 2013, es el octavo álbum de larga duración. Recuperación, ese seria el termino puntual para este disco, y aunque no igualan ni mucho menos sobrepasan sus mejores discos, sí podemos decir que hay un retorno a melodías interesantes y una producción mucho más adecuada, ya dejando la "rebeldía" a la que pareció entrar la banda en su época extrema-groovie. La guitarra con un mejor comportamiento en cuanto a sus riffs muestra una mejor ilustración de esa gallardía con la que cuenta no solo el género sino también en particular la banda, pero lo que si se nota escaso es el contenido de solos, estos prácticamente le quedan debiendo a la música, y creo que el hueco se nota tanto por el error garrafal de prácticamente eliminar los teclados. La batería históricamente ha sido la menos expuesta al error, aunque en una época le pusieron un tono de producción feísimo, ahora ya con ese apoyo vuelven a su estado natural con una muy buena variedad y exhibición natural de sis interesantes ritmos. La voz no ha vuelto a tener influencia del Black Metal como en el principio, pero tampoco así en su horrendo grito que no sonaba nada bien, por el contrario parece haberse casado con un tono de grito-medio, no suena del todo bien, la voz en esta banda jamás ha sido la más adecuada, pero esta vez vuelve a ser decente.


I Worship Chaos, lanzado en 2015, es el noveno álbum de larga duración. Al parecer los fans han impulsado la carrera de CHILDREN OF BODOM como estelar, tengo mis criticas al respecto, pero acá el punto es que ellos (los fans) son un elemento vitalicio en la publicación de discos, contrario a otras bandas que son aparentemente más "libres" a la hora de componer, es por eso que esta banda siempre está errando en sus experimentaciones y acertando cuando escucha las voces del público para su retorno a las raíces. Eso sucedió con este disco, ya que antes de ser liberado en su totalidad los fans (después de presionar a la banda) en lo poco que se habían enterado ya sabían lo que se avecinaba con este capítulo y lo expresaban desesperadamente. El resultado de este disco es pobre en algunas áreas, generalmente suena bien pero no pasa de eso, el problema principal es deberían dejar de lanzar discos precipitadamente cada dos años sino que deberían ser más pacientes en el perfeccionamiento de su música, letras e interpretación; si eso se hubiese hecho con este disco, sin lugar a dudas el resultado hubiese sido más aceptable por parte de quienes no son sus fans. Por lo pronto se pueden disfrutar algunas piezas aceptables.

1997 - Something Wild

1999 - Hatebreeder

2000 - Follow The Reaper

2003 - Hate Crew Deathroll

2005 - Are You Dead Yet?

2008 - Blooddrunk

2011 - Relentless Reckless Forever

2013 - Halo Of Blood

2015 - I Worship Chaos
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lunes, 17 de junio de 2013

TAAKE - Discografia





Nombre: TAAKE
Género: Black Metal
País de Origen: Noruega

TAAKE, pronunciado Toh-keh en Noruego, es una de las tantas bandas Noruegas de un solo integrante que tiene sus inicios a principio de los noventa, época en la que el Black Metal iniciaba una absorción masiva de luz para propagar su oscuridad y poder extremo. En sus inicios, entre el 93 y 95, la banda fue formalmente conocida como THULE, posteriormente cambió su nombre al actual que es el homónimo para fog en ingles, en nuestra lengua, Niebla. La razón del cambio de nombre, se debía a que Høst, más comúnmente nombrado como Hoest, fundador y único integrante de la banda (aunque también cuenta con artistas de sesión y de sesiones en vivo), quería reflejar el genuino espíritu noruego que tenía su música y sus letras; además, es como una especie de tributo patriótico a la niebla que rodea las siete montañas de su ciudad natal, Bergen. Por otra parte, "Høst" en si significa otoño en Noruego, por ello Ørjan Stedjeberg toma el nombre Hoest, debido a que fue en esa estación del año en la que nació.         
TAAKE es una banda de una gran recorrido musical con veinte años en escena, que se ha caracterizado por mezclar con maestría la viejas raíces del Black con otras influencias, como el Heavy y algo de Thrash metal. Esta es una banda que se ha esmerado en mantener la esencia de la vieja escuela noruega en el género.
Como muchas otras bandas del género, ha estado envuelta en escándalos como el del concierto de 2007 en Essen Alemania donde Hoest apareció en escena con una esvástica tatuada en el pecho que causó inconformidad en muchos.  En respuesta a la indignación del público tras la actuación, Hoest, emitió en ese tiempo el siguiente comunicado:
"TAAKE no es una banda de política Nazi, etc. Ciertamente, no esperábamos estas reacciones de amenazas, ya que todo el mundo sabe que nuestro concepto se basa en la provocación y lo relacionado con la muerte y la maldad. Ahora censuraremos ciertos símbolos para el resto de la gira europea junto a URGEHAL y KOLDBRANN y nos disculpamos sinceramente con todos nuestros colaboradores que quizá puedan tener problemas por el escándalo de la esvástica en Essen (excepto con el dueño del club; puedes ir a chupársela a un musulmán!)" .
Hoest también estuvo en prisión por causas desconocidas y permaneció allí por varios meses, al salir continuó su carrera musical como si nada hubiere ocurrido.
Hoest ha estado en bandas como GORGOROTH, DEATHCULT, GAAHLSKAGG, RAGNAROK, CARPATHIAN FOREST, NATTEFROST, entre muchas otras.
Históricamente, TAAKE ha sido una banda bastante reservada en cierto sentido, sus conciertos en vivos, para su carrera han sido pocos, pero los han tenido. Han trabajado con el sello DARK ESSENCE RECORDS y en la actualidad Hoest tiene su propio sello (SVARTEKUNST PRODUKSJONER) en el que realiza sus producciones muy al estilo de Euronymous en sus tiempos. Esta es una banda muy influyente y que se ha forjado su propia escena con buena música y público selecto, además, si algo ha caracterizado a TAAKE en sus dos décadas de historia ha sido una constante inquietud y ganas de cambio, así como una tremenda valentía para llevarlas al terreno de los hechos en un género plagado de ortodoxia e integrismos.

Nattestid Ser Porten Vid, lanzado en 1999, es el primer álbum de larga duración. Siete disparos directo a la entrañas, eso es lo que esta producción, una mezcla de velocidad y rudeza, adobada con poderosos riffs de guitarras y acelerados golpes de baterías que le dan contundencia a cada tema. Tundra en la batería y el bajo hace un grandioso trabajo acomodado a las necesidades de la producción y designios de Hoest. Se percibe una naturalidad sobre humano y simplicidad estética que hacen del álbum algo audible, limpio y perfecto. La voz de Hoest es precisa con una frialdad y rudeza psicótica que te sumerge en ese atmosfera lúgubre que crea la producción al conjugarse todo los elementos físicos (instrumentos) y emocionales.  

Over Bjoergvin Graater Himmerik, lanzado en 2002, es el segundo álbum de larga duración. Posee una producción rica en melodías que ambientan y le dan un toque diferente a la producción, pero no perdiendo esa esencia pura de la vieja escuela noruega. La fuerza de la guitarra suena con firmeza en cada tema armonizado con riffs muy a lo thrash metal. La voz de Høst sigue siendo desgarrada con la esencia innata del género. Es un álbum donde el ritmo de cada tema te crea emociones encontradas que explotan en un headbanging necesario para exorcizar la mente de esos sonidos superfluos y nimios de hoy día. En la batería C. Corax maneja perfectamente las velocidades y tiempos, acelerando y desacelerando en los momentos precisos. La introducción de instrumentos folclóricos hacen que la producción se eleve a un nivel superior, no por el uso de los instrumentos, si no por como los usan y en el momento en que los usan.     

Hordalands Doedskvad, lanzado en 2005, es el tercer álbum de larga duración. Lcontinuación evolutiva de una producción con más melodías, riffs cadenciosos y una voz rasgada audible y entendible, acompañados por golpes de batería lentos que le dan al álbum una simplicidad y a la vez una maestría, para hacer, más bien sonar como suena. El equipo de trabajo de esta producción es mucho más grande que el de las anteriores, lo que hace que este álbum sea más elaborado y se escuche así. Dobles voces, susurros agónicos, hegemonía de guitarras que están por encima de los poderosos golpes y la velocidad de la batería. A mi parecer este podría ser la Master Piece de TAAKE, por ese sonido que te lleva entre sus ondas y se muestra un universo inmenso de versatilidad y poder de creación a partir de lo existente mediante la conjugación de elementos diferentes.    

Taake, lanzado en 2008, es el cuarto álbum de larga duración. Hoest emprende esta empresa por sí mismo, de nuevo haciendo todo él solo, lo que hace que el álbum sea un poco simple, la magnificencia de la guitarra se pierde un poco y el sonido crudo, muy al estilo raw, se deja escuchar en la producción, la batería toma más realce, típico del black metal one man. La voz si impecable como siempre, aun así el álbum es increíble, porque Hoest logra mantener la esencia sin perder muy a fondo el estilo que había forjado en las producciones anteriores. Este es uno de esos errores que se perdonan, porque no es malo y el pasado ayuda.  

Noregs Vaapen, lanzado en 2011, es el quinto álbum de larga duración. En este trabajo nos encontramos con una demoledora amalgama de tradición e innovación empaquetada en siete canciones de una excelencia compositiva insuperable. El frío cortante e hiriente propio del Black metal primigenio está ahí conviviendo con unos solos heavies de infarto, y unos riffs para lanzarse como poseído a hacer headbanging. Las melodías son otra parte inseparable de esta banda, una de las claves que hace de la música de TAAKE algo irresistiblemente adictivo, y por qué no decirlo, accesible. En un estilo, el del metal underground en general, en el que esa palabra es poco menos que una herejía, Noregs Vaapen abraza con total honestidad el verdadero significado de la misma, que no es otro que llegar con su música al mayor número de oídos posibles, sin que por ello se queden en el camino ni su actitud ni sus principios. De nuevo volvemos a encontrarnos con un álbum de guitarras, en el que la labor del noruego a las mismas es el eje vertebrador de todos los demás elementos del disco. Sin miedo a abrazar los postulados del black'n roll que ellos mismos ayudaron a escribir, los 46 minutos de Noregs Vaapen son una incitación constante a dejarte las cervicales en su escucha, con unos riffs muy sabbathicos pero que no pierden de vista la afilada mordiente de las raíces del Black metal. Y para todos aquellos que les tachan de poco menos que traidores, ahí están las colaboraciones de leyendas como Nocturno Culto, Attila Csihar o Demonaz para callar sus ignorantes bocas.

Stridens Hus, lanzado en 2014, es el sexto álbum de larga duración. Además de la aburrida portada, la música ha sufrido un cambio bastante significativo. La producción ha ayudado a que el sonido en general suene más claro y modernista, y no es que esté mal en teoría pero sí en la práctica porque la banda le ha restado capacidad compositiva a la música; para mi concepto es un disco tirando a suave que trata de ser disfrazado por una distorsión fuerte de guitarra pero que no obtiene el propósito original de ser realmente oscura. Tampoco quiero decir que el disco es simplemente basura, ya que se pueden encontrar cosas interesantes pero la realidad es que son arruinadas por el concepto modernista mal manejado en esta oportunidad. Es una copia sin éxito de SATYRICON (que por lo menos sí ha sabido cómo hacerlo) pero además hay algo que me logra molestar: al no responder del todo bien la guitarra, pues nos encontramos con una batería que no hace otra cosa que relleno. En síntesis, ellos pueden experimentar con el sonido (ante eso no me opongo para nada) pero no cualquier cosa es válida.

1999 - Nattestid Ser Porten Vid

2002 - Over Bjoergvin Graater Himmerik

2005 - Hordalands Doedskvad

2008 - Taake

2011 - Noregs Vaapen

2014 - Stridens Hus
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Realizado por Lord Ishat.

lunes, 10 de junio de 2013

HAVOK - Discografia

Nombre: HAVOK
Género: Thrash Metal
País de Origen: Estados Unidos

El Thrash Metal ha corrido por las venas de un grupo de hombres nativos de Colorado, Estados Unidos; aunque la banda fue conformada en un principio por Marcus Corich (bajo), Haaken Sjogren (batería), Shawn Chavez (guitarra líder), concretamente fue comandada por David Sanchez (guitarra rítmica y voz) que es el único miembro permanente desde su inicio, ratificando con seguridad su control sobre el proyecto. Formándose así en 2004 como una agrupación de la artillería contemporánea del Thrash, titulada como HAVOK. Después de dos trabajos autoeditados (el demo "Thrash Can" y el EP "Pwn 'Em All"), el proyecto de HAVOK llamó la atención del sello británico CANDLELIGHT RECORDS, y a partir de esa asociación la banda se dio a conocer a nivel mundial, pisando tierras nuevas para la banda y haciendo amigos cada vez más numerosos gracias a sus conciertos, giras compartidas con bandas de calibre, y participación en festivales. Entonces, todo prosperó con el trabajo pionero, titulado Burn, que fue lanzado en la primavera de 2009, la incorporación de riffs de guitarra vertiginosamente rápidos, la máquina de los tambores, líneas maravillosas bajo, el liderazgo de la guitarra abrasadora y las voces contundentes, hacen a HAVOK que sea capaz de mantener constante esos ritmos sofocantes y muy intensos del Thrash Metal. El estilo de la música sí ha variado ligeramente a lo largo de sus publicaciones, por fortuna para mejorar el estilo característico de la agrupación. Un avance rápido del que se habla en esa evolución constante fue la publicación del 2011, con el disco titulado "Time Is Up", los thrashers con toda la energía regresaron con su segundo álbum para continuar con su combatida carrera, donde la banda vuelve a darle el calor característico del género con nuevos himnos del Thrash. Y sobre todo con unos constantes miembros, que entraron poco después que el líder, han demostrado al mundo sus inmensas habilidades musicales e interpersonales como una de las cabezas de la nueva y polémica época del género, después de su declive en los 90's; amando el Thrash y no dejando que el mismo fallezca definitivamente dentro de la escena, en la que todo cambia pero no siempre para bien...
Aunque hay muchas otras bandas de Thrash por ahí, sí existe una cosa que distingue a HAVOK aparte de las demás. Esta banda pone su propio sello en el género mediante el empleo de un equipo más técnico de la música, mientras se mantiene la sensación del toque vocal que aunque no es nada totalmente relevante, sí se puede distinguir de las demás. Los shows en vivo de HAVOK es donde la banda logra llamar mucho la atención de la gente, debido a su poder desenfrenado, con su nivel de energía sin parar y su capacidad para conseguir que el público esté involucrado con el evento mismo. Se trata de una visita obligada para cualquier fan de la música en vivo! HAVOK ha recibido un montón de comentarios positivos de sus esfuerzos para hacer del Thrash uno de los pilares en la música moderna, y que continuará extendiéndose la intensidad hasta que decidan que el trabajo está hecho y finalizado para la banda. Teniendo en cuenta su talento, determinación, y base constantemente creciente de fans a nivel mundial, HAVOK está destinado a convertirse en uno de los pilares de esta escena, pero habrá que esperar si sus futuros discos le dan lo necesario para que se continué en la dinámica de crecimiento acelerado.

Burn, lanzado en 2009, es el primer álbum de larga duración. Hay que decirlo, es un estupendo debut, estos chicos se lanzaron de una forma muy sólida a las grandes carpas del Thrash, y aunque no planteen algo nuevo o novedoso por lo menos supieron hacer las cosas de una forma muy bien administrada entre las distintas corrientes que mezclan; sectores como la producción está ejecutada con plena calidad (eso se debe en mayor parte a la mano que le extendió la disquera inglesa CANDLELIGHT RECORDS). La guitarra y batería como se esperaría en una banda de Thrash forman una capa muy consolidada, prácticamente no se despegan nunca, la colaboración entre estos instrumentos se explican en su totalidad como un Speed Thrash con ingredientes modestos como partes acústicas e incluso algo de melodía. La voz pareciera compaginar muy bien con el estilo de música que ofrecen los instrumentos y al estilo de producción; no son demasiado arriesgados en ninguna de las áreas, más bien trataron de hacen un Thrash sencillo, veloz y un tanto fuerte que no aburre por su buena administración de recursos.

Time Is Up, lanzado en 2011, es el segundo álbum de larga duración. Continúan haciendo música al mejor estilo de los 80's, y frente lo anteriormente expuesto, se puede ver que sí crecieron musicalmente al perfeccionar muchas de las cosas que simplemente pintaron en el trabajo anterior; la producción mejoró aun más y manteniéndose firmes las dos partes de la asociación entre el sello y la banda. La batería contribuye con gran velocidad a que la música suene realmente brutal desde la óptica del Thrash, y eso merece mucho reconocimiento, ya que no es una batería "típica" del género sino que plantea cosas, toma roles protagónicos en una intensa con la guitarra, quien también propone cosas interesantes con más variedad aun, se entiende que los riffs son bastante rápidos pero también con énfasis de romper cuellos por su gran calidad, no creo que alguien que aprecie y entienda el género se pueda resistir a la movida de cabeza. Algunas partes de melodía también se aumentaron, como los solos y la voz que en algunas ocasiones mezclan estribillos con melodías.

Unnatural Selection, lanzado en 2013, es el tercer álbum de larga duración. Es increíble el crecimiento comercial que ha tenido esta banda en los años previos a este disco, su base de fans ha crecido de forma muy significativa y eso siempre será la mejor señal para el éxito económico de la banda. Y dicho crecimiento se ha producido por hacer las cosas diferentes a las demás bandas contemporáneas, que igual a HAVOK tienen la idea de revivir el Thrash ochentero; mientras las bandas jóvenes imitan los riffs pesados de SLAYER o los riffs de corte groovy de EXODUS, estos chicos lo hacen de una forma distinta, si bien no totalmente originales, que se compone de una especie de Thrash moderno sin caer en lo postizo. Los riffs hacen énfasis en las estructuras más simples y aparatosas, que incluso se pueden llegar a comparar e ocasiones con bandas de este corte como TESTAMENT, pero van más allá, van hasta la contemporaneidad... En materia de batería y bajo las cosas se hacen a la altura, siempre siguiendo a la guitarra, con forme a la necesidad del género; mientras la voz con su tono agresivo sigue haciendo de las letras algo pegajoso.

2009 - Burn

2011 - Time Is Up

2013 - Unnatural Selection

lunes, 3 de junio de 2013

SYMPHONY X - Discografia



Nombre: SYMPHONY X
Género: Progressive Power Metal
País de Origen: Estados Unidos

Un murmullo se originó en el mundo durante 1994, cuando el guitarrista llamado Michael Romeo empezó a formar su propio camino. Éste hombre rápidamente creó un demo titulado "The Dark Chapter" en 1994 y lo envió a unos cuantos sellos discográficos, de los cuales le resultó el plan con eficacia y así fue lanzado al mercado; hay que anotar que este demo se hizo como trabajo independiente, es decir, bajo el rotulo de "Michael Romeo". Parecía que una nueva revelación en la guitarra había nacido, dando a conocer al mundo su inmenso talento de forma inmediata y sincronizada, ya que luego de su "golpeada" en los sellos disqueros, pronto se puso en marcha la creación de una nueva banda que agitaría el género del Power y el Progressive de Estado unidos. Con una innovadora mezcla de heavy metal, rock progresivo y sonidos neo-clásicos, Romeo y sus hombres finalmente crearon a SYMPHONY X, grabaron un álbum debut, con el nombre homónimo (lanzado en Japón en 1994, y lanzado a nivel mundial en 1995), que comenzó su épico viaje para crear música innovadora y al mismo tiempo darle el impulso a las nuevas generaciones de bandas de metal progresivo a seguir como ejemplo.
The Damnation Game, celebró la segunda parte de la banda, pero ahora con una voz carismática, profundamente emocional e implacablemente agresiva de Russell Allen, como el nuevo miembro permanente. Luego con Divine Wings Of Tragedy, que hace hincapié con una mayor aproximación de la progresividad y un virtuosismo mayúsculo de la banda; el resultado es que hasta hoy es considerada como una obra maestra de SYMPHONY X. Luego con la tercera obra, Twilight In Olympus, llegó amenizado aspectos clásicos de la banda, por ejemplo con el instrumental "Sonata" (que se basa en el piano Sonata No.8 "Pathetique" de Ludwig van Beethoven). Pero a SYMPHONY X no le bastó con el enorme éxito que ya venían teniendo, así que siguieron trabajando duro sin dejarse "coger la noche" en materia discográfica; de esa forma lanzan "V: The New Mythology Suite", en donde el quinteto entregó su primer álbum conceptual, durante el cambio de milenio, y que se ocupa del mito de la Atlántida. Y al mismo tiempo que se fortificaba como conjunto, le apostaron a una serie de experimentaciones y pruebas visuales que la banda podría fácilmente incorporar su material complejo en el escenario durante el futuro cercano. Y finalmente, en su época más madura y experta, lanzan una serie de trabajos que inicia con "The Odyssey", que significó un verdadero paso a ilustraciones más épicas (en este caso, la obra griega de la Odisea escrita por Homero) y mágicas, típicas del Power Metal, cosas que incluso se notan en su arte de caratula. Y luego, para cerrar este bloque de la -diferenciación- y desarrollo del estilo de la banda encontramos a "Paradise Lost", que es orientado hacia el poema homónimo del poeta ingles John Milton, y que verdaderamente logra plasmar esa belleza del arte... Sin embargo, estos dos discos son atípicos y distintos entre sí, ya que primeramente se da una paliza feroz en "The Odyssey" (2002) de quien se dice que es el álbum más agresivo de la banda hasta la fecha; y "Paradise Lost" (2007) que es la obra más oscura y gótica en la discografía de la banda.
Teniendo en cuenta esta historia consumada de la creación prolífica de la banda, siendo unos perfectos conocedores del Progressive Power, pueden preguntarse cómo la banda, posiblemente, podría dar un paso más adelante en la innovación y originalidad. La respuesta viene del propio vocalista, Russell Allen: "Iconoclast ofrece un resumen de nuestros trabajos anteriores y un posicionamiento musical de SYMPHONY X en la segunda década del nuevo siglo." Mientras tanto, Michael Romeo, quien subió el listón enormemente con su trabajo de guitarra, declara: "Este disco sólo será accesible al oyente después de varias escuchas. Ese era nuestro objetivo, de lo contrario no habría tratado de crear un álbum con múltiples facetas y con profundidad que diera placer a nuestros fans por mucho tiempo"
Sin lugar a dudas es una banda con mucho por ofrecer, claro, para quienes sean amigos de las corrientes progresivas del Rock, Heavy y Power.


Symphony X, lanzado en 1994, es el primer álbum de larga duración. La claramente empezó con pie derecho, como tiene que ser en una banda que aspire a evolucionar y darse a conocer ante el mundo, sin embargo, este trabajo es muy poco valorado al pasar casi desapercibido; y esto tiene sus causas probables que mencionaré rápidamente. Empezando con la producción que lució un tanto tímida, pareciera no acoplarse del todo con la progresividad de la música ni mucho menos con una adecuada mezcla, que exigen los teclados como parte fundamental en el Power y más en facetas tan progresivas como la de esta banda. En el sector de la guitarra prácticamente no hay quejas, desde la propia historia de la banda se puede ver que el guitarrista Michael Romeo es quien lleva la batuta en la estructura musical; es muy protagónico el papel con riffs bastante inclinados hacia la corriente neo-clásica, se percibe por todos lados, pero la gran facultad es que se saben utilizar dentro del metal. La batería en estas corrientes no se trata de mostrar cosas demasiado exuberantes o fuera de serie, y así se comportó, con buena participación. La voz es seguramente el mayor problema acá, Rod Tyler sencillamente se comporta como un vocalista completamente inmaduro, y el problema no es su tono, ya que en la cantada está bien, el problema se encuentra en los coros; en el momento de hacer notas altas o largas, su voz parece quebrarse, no tiene la capacidad mostrar pericia en lo que llamaríamos popularmente como "pulmón", no tiene la fuerza necesaria. En general no se hizo un buen trabajo vocal, sin embargo, el hombre trató de esforzarse, por ejemplo en la canción Shades Of Grey, en donde se iba logrando la tarea en los notas largas de una balada, pero continuaba en mora con los coros de alto alcance. Éste seria su primer y último performance en la banda...

The Damnation Game, lanzado en 1995, es el segundo álbum de larga duración. Como se decía anteriormente, Tyler no dio la talla, y la banda hizo una espectacular hazaña al conseguir un vocalista que tuviera el mismo tono de Tyler pero con más potencia; de esa forma reclutan a Russell Allen, un vocalista más capaz y mucho más maduro. La producción mejoró sustancialmente, pero aun le hace falta un poco de poder, ya que la mezcla está bien, todo se escucha con facilidad pero el tono es realmente muy delgado. La guitarra continua haciendo de las suyas con riffs progresivos y con un muy buen balance entre lo pesado y lo neo-clásico; adicional a eso los solos son acompañados de unas piezas de teclados muy inteligentes que juegan muy al favor de la melodía épica de la música. El bajo y la batería también son puntos que se hacen notar por su crecimiento, se juegan increíbles segmentos tanto en los solos de bajo como en los momentos álgidos de percusión. La voz de Allen como decía es nueva, y aunque aun le hace falta acoplarse más a la propuesta de la banda, sí es seguro que ayudó muchísimo al equilibrio general del sonido.

The Divine Wings Of Tragedy, lanzado en 1997, es el tercer álbum de larga duración. Con un mejor acople entre los miembros del equipo siempre se logran mejores resultados, esa es una regla casi obligatoria en todos los casos y temas del trabajo mancomunado. El equipo ha tenido las potencialidades de lograr grandes resultados acá, desde la composición hasta la producción que empieza a lucir cada vez más apropiada. El trabajo de guitarra, batería y bajo, tienen su respectivo protagonismo en ese orden; ahora con un poco más de fuerza se les nota más deseosos de poder, al mismo tiempo que sus habilidades parecieran estar en su apogeo. Por lo tanto este disco es perfectamente considerado como una joya del género y de las progresiones a nivel general. La voz recorre diferentes tonos, cosa que la hace ver en su propia cúspide de maduramiento y variedad.

Twilight In Olympus, lanzado en 1998, es el cuarto álbum de larga duración. Ahora la vuelven a hacer en grande, en forma de continuación de la anterior obra, la calidad continua de forma muy épica e interesantemente progresiva. La producción lució perfecta, qué gran remontada en los diferentes aspectos la de ésta banda, solo los grandes proyectos logran evolucionar tanto como ellos lo han hecho; por ejemplo el bajo se logra escuchar con facilidad, cosa que lo hace tan rico de escuchar. La guitarra, ahora mucho menos ayudada de teclados, pareciera tener una faceta más robusta y agresiva, no es que los teclados no existan, solo que tiene mucho menor aparición y hasta calidad, así que es un gran paso adelante a la fuerza liderada por la guitarra y ciertamente un retroceso para la fantasía, y más con la fuerza que brinda la rigidez sonora del bajo que como ya se dijo es totalmente percibible. Y la voz con un poco más de experiencia continua demostrando su impecable presentación.

V: The New Mythology Suite, lanzado en 2000, es el quinto álbum de larga duración. Aquí se exhibe un camino distinto, es prácticamente el puente entre dos terrenos diferentes, primeramente entre las joyas de la banda (sus tres anteriores discos) y su cambio sustancial de estilo (sus posteriores discos); de esa forma no queda muy complicado entender a este disco como un engranaje entre lo pre y lo post. Sin lugar a dudas es un disco controvertido, ya que en materia de producción fue muy regular, por no decir que mala, también pasa por la composición pero el punto en concreto es que el bajo no volvió a escucharse con comodidad, eso le resta muchos puntos. Su énfasis es hacia la orquesta, por lo que la guitarra con sus riffs son un poco menos protagónicos con respecto a los solos neo-clásicos que fueron más evidentes que nunca y más aun con la ayuda que le da la "revivida" de los teclados. La voz continua siendo muy buena, aunque hay menos parte cantada por darle paso a la instrumentación predominante.

The Odyssey, lanzado en 2002, es el sexto álbum de larga duración. Acá empieza a mostrarse la transformación de la banda, sin ser menos interesante la gente suele criticar más este cambio, con el que apropósito la banda pareciera sentirse más cómoda. La producción no fue del todo buena, se perdió el bajo y aun no ha regresado, pero sin contar eso es un trabajo apenas decente. La batería ahora pareciera más integrada con la guitarra y teclado, ya que se forman más momentums de fuerza, así es, más fuerza. En general este disco pareciera un parcial abandono de la progresividad para una concentración en la extravagancia de poder, claramente más similar a un Power fuerte que a otra cosa. Y la voz también pareciera experimentar con algunos tempos y tonos, especialmente con un color vocal más grueso. Como nota, es importante resaltar que este disco es un concepto tomado del libro clásico en la historia-mitología griega, obra que todos conocemos en el estudio de la historia de Grecia, "La Odisea" es un excelente tema, ademas de que todos la conocemos, son temas que se ajustan mucho al Power Metal inteligente y que en todo caso son tópicos que parecieran muy interesantes de trabajar.

Paradise Lost, lanzado en 2007, es el séptimo álbum de larga duración. En este nuevo camino, la banda pareciera perfeccionar la faceta, ya no está tan poderoso como el anterior trabajo pero aun lo es, digamos que tiene un poco más de variedad. La producción aun no se recupera del todo, es un sonido robusto que dificulta una excelencia en la producción y sobre todo en el sector de la mezcla. La guitarra sigue enviando riffs con un tono poderoso, muy a lo artillería vista desde esta perspectiva genérica, mientras los solos y teclados tratan de darle la brillantez necesarias que dicho sea de paso le dan aval para que la voz también suavice su tono. La batería no tiene el mejor tono, pero por lo menos tiene el rendimiento necesario para decir que es un trabajo sólido. Y la voz, como se decía anteriormente, tiene varios tonos como es típico con Allen, pero se distinguen especialmente dos tonos, el fuerte y el suave. Luego, se puede decir que eso es bueno para la variedad de la música, pero si de trata de gustos, me parece que a él no se le da muy bien eso del tono agresivo, me quedo con el tono suave.

Iconoclast, lanzado en 2011, es el octavo álbum de larga duración. El anterior disco fue muy bueno, con algunos errores pero en general estuvo muy bueno; caso muy contrario a este, donde la temática de robots al comando del mundo está más que ultra-trillada, obsoleta, y eso no simpatiza de a mucho para una persona que valore no solo a la banda sino al género. La orientación que han tomado de hacer música más fuerte en este disco pareciera que no se logró con seriedad, además de la perdida sincronizada de progresividad, también se deterioró el rendimiento de los teclados, claro, habrá gente a quien le agrade el sonido medio moderno del tono y especie de los riffs, pero en términos generales no les queda bien esa faceta, mirando su historia hay muchas más cosas por las que se podía trabajar, pero la banda cayó en un hueco repetitivo en la que no se expone mayor cosa; aburren los riffs copiados en una parte y otra, eso se llama relleno, no hay que negarlo. La batería apenas cumple con un papel, y en realidad no se puede encajar muy bien ya que la guitarra no se toma muy en serio. Y la voz está básicamente fea, los riffs le ayudan a un ritmo moderno que la voz imita de forma insuficiente y poco original.

Underworld, lanzado en 2015, es el noveno álbum de larga duración. Después de una buena espera SYMPHONY X se vienen con otro capítulo de su interesante carrera y sin ningún temor me arriesgo a decir que será uno de los mejores discos del año, sino el mejor. No es un trabajo conceptual pero está cerca de serlo, con la inspiración del infierno de Dante, primera parte de la Divina Comedia, desempeña un papel protagonista en las letras. Especialmente en lo que respecta a la historia de Orfeo bajando al inframundo de Hades para rescatar a Eurídice. Tomando una fuente tan importante de Dante Alighieri era una obligación para los músicos el hecho de sacar algo a la altura y ciertamente lo han logrado; los riffs son fuertes y variados con su esencia oscura, los solos no son del montón sino que logran ser magistrales, la batería es la estocada final en la tragedia y la voz es de talla monumental. Los tipos son unos excelentes orquestadores de importantes novelas clásicas (como La Odisea, también anteriormente realizada) que han quedado en lo más alto de la historia; sus fallecidos autores originales se sentirían orgullosos del trabajo de SYMPHONY X y les darían el guiño. En la portada vemos nueve círculos, los cuales ilustran los nueve círculos del infierno de la Divina Comedia.

1994 - Symphony X

1995 - The Damnation Game

1997 - The Divine Wings Of Tragedy

1998 - Twilight In Olympus

2000 - V: The New Mythology Suite

2002 - The Odyssey

2007 - Paradise Lost

2011 - Iconoclast

2015 - Underworld
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